Felipe Pantone stammt aus Valencia, Spanien. Sein Repertoire reicht von Graffiti bis hin zu kinetischer Kunst. Seine Kunst – mit Ausnahme seiner Graffitis – stellt Informationsflüsse visuell dar und gibt sie in all ihrer hyperaktiven Pracht wieder. Felipe Pantone arbeitete 2016 mit URBAN NATION für das Project M/9 zusammen. Scharfe Kontraste, variierende Strukturen, wirkungsvolle Farben, sehr technologisches Vokabular: Pantone liebt es, den Betrachter mit kinetischer Kunst zu konfrontieren, die sich wie eine vielschichtige künstlerische Interpretation binärer Alltäglichkeit anfühlt.

Gemälde, Objekte und Drucke: Allen gemeinsam ist ein Stil, der aus ausgewählten Elementen besteht, die sich in Farbe und Struktur unterscheiden. Dank der sorgfältig ausgearbeiteten visuellen Elemente und der minutiösen Beachtung von Details in seinen Arbeiten bekommt der Betrachter einen Eindruck von der Kunstausbildung, die Pantone genossen hat. Felipe Pantones Kunst überwindet Zeit und Raum und öffnet den Horizont. Es ist schwer, sich ihr zu entziehen.

Elenas Arbeiten sind zumindest merkwürdig. Sie fertigt Mixed-Media-Arbeiten an, indem sie Acrylbilder und davor liegende Objekte kombiniert, die dem, was auf den Leinwänden dahinter abgebildet ist, eine ganz neue Bedeutung verleihen. Es ist seltsam zu sehen, wie ein perfekt gemaltes Thema scheinbar ins Lächerliche gezogen wird, indem große Zahnbürsten oder aufblasbare Puppen davor gestellt werden. Aber das ist der Stil, mit dem Steiner sich ausdrückt, und es ist eine aggressive Art der Darstellung.

Was uns am meisten fasziniert, ist, wie es Elena gelingt, ihre Werke so glamourös zu gestalten, wie sie sind, obwohl sie sie scheinbar verhöhnt. Steiner wollte nicht, dass ihr Werk zu viel mit etwas gemein hat, das buchstäblich in jedem Wohnzimmer zu finden ist. Ihre Kunst brauchte eine eigene Identität.

Elena Steiners Werke mögen bisweilen humorvoll, ja sogar jugendlich wirken. Aber lassen Sie sich nicht täuschen, denn sie weiß genau, was sie tut. Eine Tatsache, die sich nie ändern wird, ist, dass das Publikum Kontroversen liebt, denn sie faszinieren es auf eine Weise, wie es nur wenige Dinge können. Und in dieser Hinsicht liefert Steiner eine bewundernswerte Leistung. Aber sie tut es nicht in einer grotesken, aufmerksamkeitsheischenden Art und Weise, in der sich einige Künstler vor ihr erprobt haben - sie tut es elegant, selbstbewusst und mutig.

Der in New York lebende Künstler Daniel Arsham bewegt sich an der Grenze zwischen Kunst, Architektur und Performance. Architektur ist ein vorherrschendes Thema in seinem Schaffen: Umgebungen mit erodierten Mauern und Treppen, die ins Leere führen, Landschaften, in denen die Natur die Strukturen außer Kraft setzt, und ein allgemeiner Sinn für das Spielerische in der bestehenden Architektur. Arsham bringt die Architektur dazu, Dinge zu tun, die sie eigentlich nicht tun sollte, und sucht in der alltäglichen Erfahrung nach Möglichkeiten, unsere Erwartungen an Raum und Form zu verwirren und zu durchkreuzen.

Einfache, aber paradoxe Gesten dominieren sein skulpturales Werk: eine Fassade, die sich im Wind zu wellen scheint, eine Figur, die in die Oberfläche einer Wand eingewickelt ist, ein zeitgenössisches Objekt, das in Vulkanasche gegossen ist, als ob es an einer zukünftigen archäologischen Stätte gefunden worden wäre. Strukturelles Experiment, historische Untersuchung und satirischer Witz verbinden sich in Arshams ständiger Befragung des Realen und des Imaginären.

Banksy ist ein pseudonymer englischer Straßenkünstler, politischer Aktivist und Filmregisseur, dessen wirklicher Name und Identität unbestätigt und Gegenstand von Spekulationen bleiben. Seine satirische Straßenkunst und subversiven Epigramme sind seit den 1990er Jahren aktiv. Sie verbinden dunklen Humor mit Graffiti, die in einer unverwechselbaren Schablonentechnik ausgeführt werden. Seine Werke mit politischen und sozialen Kommentaren sind auf Straßen, Mauern und Brücken in der ganzen Welt zu sehen.

Banksys Arbeit entstand in der Untergrundszene von Bristol, in der Künstler und Musiker zusammenarbeiteten. Banksy sagt, dass er von 3D, einem Graffitikünstler und Gründungsmitglied der Musikgruppe Massive Attack, inspiriert wurde. Banksy stellt seine Kunst auf öffentlich sichtbaren Flächen wie Wänden und selbst gebauten Requisiten aus. Banksy verkauft keine Fotografien oder Reproduktionen seiner Straßengraffiti mehr, aber seine öffentlichen "Installationen" werden regelmäßig weiterverkauft, oft sogar durch Entfernen der Wand, auf die sie gemalt wurden.

Ein Großteil seiner Arbeiten kann als temporäre Kunst eingestuft werden. Eine kleine Anzahl von Banksys Werken wird offiziell, aber nicht öffentlich, über eine von Banksy gegründete Agentur namens Pest Control verkauft. Banksys Dokumentarfilm Exit Through the Gift Shop (2010) feierte seine Premiere auf dem Sundance Film Festival 2010. Im Januar 2011 wurde er für diesen Film für den Oscar in der Kategorie Bester Dokumentarfilm nominiert. Im Jahr 2014 wurde er bei den Webby Awards 2014 als Person des Jahres ausgezeichnet.

BAEL ist ein Künstler aus Großbritannien, dessen Werk eine oft eindringliche und doch schöne Visualisierung der weiblichen Form darstellt. Nach Einzel- und Gruppenausstellungen in ganz Großbritannien und Europa hat seine Arbeit ihren eigenen Platz gefunden und eine engagierte, internationale Fangemeinde.

Mit Einflüssen aus dem österreichischen Expressionismus, dem Jugendstil und dem japanischen Anime haben Baels Werke einen wirklich einzigartigen, unverwechselbaren Stil: "In meiner Arbeit geht es darum, menschliche Emotionen und Formen mit einem Sinn für Einfachheit einzufangen, um etwas Komplexes in so wenigen Worten wie möglich auszudrücken."

Scharfe Beobachtung, Humor und Realismus treffen in Paco Pomets köstlich bissigen Reflexionen über die menschliche Existenz aufeinander. Pop-Referenzen und leuchtende Farben bringen soziale Kommentare in fiktive historische Szenen ein und unterstreichen die zeitlose Natur unserer Bemühungen und Anliegen. Der Künstler erklärt: "Ich habe immer gedacht, dass die Themen über die Jahrhunderte gleich geblieben sind und dass die menschlichen Bestrebungen, Hoffnungen und Schimären zyklisch sind."

Pomet erwarb einen BFA-Abschluss an der Universität von Granada, Spanien, bevor er an der School of Visual Arts in New York weiterstudierte. Fasziniert von den technologischen Entwicklungen des frühen 20. Jahrhunderts, sieht Pomet den Dialog zwischen Fotografie und Malerei als wesentlich für seine Arbeit an. Serien wie die Muppets oder die Sesamstraße und Maler wie Mark Tansey und René Magritte haben ebenfalls Einfluss auf seine Bildsprache genommen.

Neben zahlreichen Gruppenausstellungen in Spanien und den USA waren Pomet's Werke auch auf der Internationalen Kunstbiennale in Peking zu sehen, wo er 2010 mit einem Award for Excellence ausgezeichnet wurde, sowie 2015 in dem von Banksy kuratierten Dismaland Bemusement Park. Eine individuelle Retrospektive wurde im selben Jahr im Baker Museum in Florida gezeigt. Gemälde des Künstlers befinden sich in verschiedenen öffentlichen Sammlungen in Spanien, darunter das Ministerium für kulturelle Angelegenheiten und das IVAM (Institut für moderne Kunst in Valencia).

Mason Storm wurde in London, Großbritannien, geboren. Er hat nie eine "normale" Kunsthochschule besucht. Seine künstlerische Ausbildung begann, als er etwa 12 oder 13 Jahre alt war. Eines Abends, als er das örtliche Jugendzentrum besuchte, fiel sein Judo-Kurs aus, und so ging er in den Kunstkurs, in dem sein Freund gerade Unterricht gab. Etwa 15 Jahre lang spazierte er jede Nacht hinein und hinaus.

Die Lehrer, die damals dort unterrichteten, waren Studenten, die ihr Stipendium durch die Arbeit im Zentrum aufbesserten und gleichzeitig ihre eigenen Werke schufen. Nach ihrem Abschluss an der Royal Academy of Arts, dem Royal College of Arts und dem Central St. Martins wurden sie zu führenden Köpfen in der zeitgenössischen Kunstwelt des Vereinigten Königreichs.

Die Kunst ist immer seine Leidenschaft geblieben, aber Mason hat sie beiseite gelassen, während er eine Karriere begann, die sehr weit von der Welt der Kunst entfernt war. Er kann nicht alle Details seines beruflichen Werdegangs preisgeben, doch hier sind die wichtigsten Stationen: Judo/Selbstverteidigungslehrer, freiberuflicher Sicherheitsunternehmer, Sicherheitsberater/freiberuflicher Geheimdienstanalyst, Journalist mit Spezialisierung auf Geheimdienst/Spionage/Terrorismus, Jurist mit Hochschulabschluss, Rechtsanwalt.

Als Ablenkung begann Mason mit der Bildhauerei und wurde gebeten, an einer Ausstellung teilzunehmen. Von da an kehrte er allmählich zur Kunst zurück. Sie ist weitaus unterhaltsamer als seine früheren Aktivitäten.

Masons Arbeiten werden als kontrovers und provokant angesehen, aber er versucht nie, nur um des Themas willen kontrovers zu sein, es gibt immer einen Grund für seine Arbeiten.

Mason ist wahrscheinlich am besten für seine Maske bekannt. Sie ist zu einem Markenzeichen geworden, das seine Identität verbirgt und ihm gleichzeitig einen Hauch von Mystik verleiht, der ihm bei der Werbung und Öffentlichkeitsarbeit hilft. Er begann sie zu tragen, als er 2010 ankündigte, das Gesicht des Künstlers Banksy in einem Ölgemälde zu enthüllen. Die ganze Kampagne war nichts weiter als ein großer Marketingtrick, und sie hat funktioniert.

Die angebliche Enthüllung von Banksy brachte ihm eine Menge negativer Publicity und gelegentlich auch Morddrohungen ein. Nichts, was ihm in seinem bisherigen Leben nicht schon oft begegnet wäre, aber er wusste, dass die Tatsache, dass er anonym blieb, Banksy's Anhänger noch mehr verärgern würde. Zweitens hat er in seiner bisherigen Laufbahn einige extrem gefährliche Männer getroffen und mit ihnen zu tun gehabt. Es besteht kein Risiko für seine Sicherheit, aber ihm wäre es lieber, wenn die beiden Welten nie aufeinandertreffen würden. Außerdem arbeitet er gelegentlich als Freiberufler, und es ist besser für ihn, wenn er sozusagen im Verborgenen bleibt. Die Maske bietet ihm also, abgesehen von ihrem Marketingpotenzial, die Möglichkeit, sich im Verborgenen zu halten.

Der in Österreich lebende Nemoland-Preisträger Florian Satzinger war ein Schüler des verstorbenen Disney-, MGM- und Hanna-Barbera-Animators und Animationsregisseurs Ken Southworth, der ihn stark beeinflusst hat.

Satzinger wurde am Vancouver Institute of Media Arts in British Columbia, Kanada, und an der Fakultät für Kunst und Kreativwirtschaft, Middlesex University London, ausgebildet. Außerdem studierte er an der Fakultät für Kunst und Kreativwirtschaft der Middlesex University London.

Er arbeitete als Charakterdesigner und visueller Entwicklungskünstler für Kunden wie Warner Bros., Disney, ReelFX und The Zanuck Company. Derzeit entwickelt Satzinger gemeinsam mit dem französischen Disney-Autor Denis-Pierre Filippi ("Disney's Mickey") ein völlig neues (noch unbetiteltes) Donald-Duck-Comic-Album und entwickelt seine eigenen IPs unter den Dachmarken "DUCKLAND" und "PAPERWALKER".

Florian Satzinger ist Mitglied des in Los Angeles ansässigen Creative Talent Network, einer Community für die weltweit führenden Schöpfer von traditionellen und digitalen Animationsfilmen.

Die 1982 in Wien geborene Bildhauerin Julia Hanzl stammt aus einer Künstlerfamilie. Sie hat ihr Studium an der Universität Wien absolviert und studierte auch mehrere Semester an der Universität für angewandte Kunst in der Keramikabteilung. Ihr technisches Wissen über die Herstellung von Skulpturen hat sie sich aber in erster Linie autodidaktisch, mit Hilfe von Videos und Büchern von bekannten figurativen Skulpteuren, sowie Anatomiebüchern beigebracht.

Sie ist bekannt für ihre Keramiken, Mixed-Media Skulpturen, Porzellan- und Bronzeeditionen und ihre Keramikskulpturen in Verbindung mit Tierpräparaten. Viele ihrer Skulpturen stellen Mensch-Tier-Hybride dar, welche die Komplexität menschlicher Emotionen und Verhaltensweisen verkörpern und als psychologische Porträts verstanden werden können.

Die Künstlerin setzt ihre Skulpturen wie eine zweite Sprache ein, die es ihr ermöglicht sich Themen zu widmen, diese ohne Worte anzusprechen und dadurch tabuisierte Bereiche den Betrachtern zugänglich zu machen.

Zentrale Motive in ihren Werken sind Tod, Sexualität und Wahrnehmung – Wahrnehmung von anderen Menschen, aber auch die eigene Wahrnehmung als Künstlerin. Dementsprechend sind ihre Skulpturen oft auch Selbstporträts, bei denen das Ziel ist, Beziehungen und Motivationen von Menschen verstehen zu wollen und sich selbst in diesem Prozess zu beobachten und zu hinterfragen.

Die Skulpturen sind dahingehend Mittel zum Zweck, um die Betrachter aufzufordern, sich ebenfalls auf diesen Prozess einzulassen Ihre übliche Arbeitsweise besteht darin, ausgehend von Papierskizzen, solide Skulpturen auf Metallarmaturen herzustellen.

Die Arbeit mit Ton und Metallarmaturen ist vor allem im Anfangsstadium ein extrem physischer Prozess, der vollen Körpereinsatz der Künstlerin erfordert und die Fertigstellung dauert oft mehrere Wochen bis Monate. Jede Keramikskulptur wird ausgehöhlt, sodass aus einem bis dahin kompakten Stück Ton nur eine Hülle von wenigen Zentimetern Dicke bestehen bleibt.

Die Skulpturen werden dann in einem Brennofen gebrannt und die Keramik wird anschließend mit Kaseinfarben bemalt. Neben ihrer eigenständigen künstlerischen Arbeit hat sie in den letzten Jahren zahlreiche Auftragsarbeiten, wie Portraits und die Realisierung ihrer Skulptur „Eve & Eve“ in Porzellan für die Wiener Porzellanmanufaktur Augarten, ausgeführt.

Sie lebt und arbeitet zurzeit in Mödling bei Wien.

Marion Rauter wurde 1970 in Villach geboren und wuchs in ihrer Heimatgemeinde Kolbnitz in Kärnten auf. Sie lebt und arbeitet seit 1988 in Graz und hat hier ihren Lebensmittelpunkt. Seit 1995 ist sie freischaffend tätig.

Als Malerin ist sie eine Autodidaktin und nutzt die Malerei seit ihrer Kindheit und frühen Jugend als Mittel um sich mit sich und ihrer Umwelt auseinanderzusetzen. Ihre Leidenschaft zu malen hat wesentliche Bereiche ihres Lebens geprägt. Ihre Ausstellungstätigkeit geht auf das Jahr 1991 zurück.

Seit 2001 ist sie jährlich in einer oder mehreren Ausstellungen im In- und Ausland vertreten. Diese brachten sie unter anderem nach Philadelphia (USA), Istanbul (TUR), Czestochowa (POL) und auf die Bienale in Florenz (ITA). Ihre Werke finden sich in mehreren öffentlichen und privaten Sammlungen.
Zudem unterrichtet sie unter anderem an der Kunstfabrik Wien.