Ai Weiwei (* 28.8.1957, Peking) zählt zu den berühmtesten Künstlern der Welt (→ Zeitgenössische Kunst). Seit den 1990er Jahren wird Ai, so sein Familienname, weltweit als Künstler, Architekt, Kurator, Filmregisseur und Fotograf gefeiert. Die künstlerische Praxis Ais wurde nach ersten Anfängen als Architekt und Konzeptkünstler zunehmend von gesellschaftlichen und politischen Themen bestimmt, mit denen das heutige China und Europa konfrontiert sind: die Ausübung autokratischer Macht, das Verschwinden der chinesischen Kultur- und Materialgeschichte und die Sorge um Menschenrechte, Flucht, harte Arbeit und Armut.

 

The works of Feromontana, born in Graz, Austria 1964, one of the most influential Austrian lawyers and a law professor for public law at the University of Graz, seem to prove this saying true. Feromontana, creates unique art no one has ever seen before.

This has been recognized by the art world in a very special way. The influential international “Art Market Magazine” issued a special edition of the top contemporary artists of today, featuring 50 contemporary artists who influence the art world of today. And a sculpture of Feromontana decorates the cover as well as the rear page of the magazine. Inside the magazine there are six pages which feature his artwork. Other magazines as well featured artworks from Feromontana on their cover. His art was exhibited at the biennale in Venice as well as in the most influential art-locations in the world such as New York, Tokio, Dubai, Madrid, Vienna or Florence and is sold by galleries all over the world.

Hajime Sorayama (born February 22, 1947) is a Japanese illustrator known, along for his design work on the original Sony AIBO, for his precisely detailed, erotic portrayals of feminine robots. He describes his highly detailed style as "superrealism", which he says "deals with the technical issue of how close one can get to one's object. Sorayama is known for his fine art, illustration, and industrial design.
Public Collections
Museum of Modern Art, New York, USA
Smithsonian Institute of Technology Museum. Washington DC, USA
World Erotic Art Museum, Miami, USA
US Library of Congress. Washington DC, USA

Christoph Zeugswetter, auch bekannt als Monsieur Schabernack, ist ein 1984 in Wien geborener selbständiger Grafikdesigner. Seine Arbeit ist stark von den Dadaisten und amerikanischen Pinups beeinflusst, und er baut oft Elemente der Absurdität und des Kontrasts in seine grafischen und plakatähnlichen Bilder ein. Sein Ziel ist es, den Betrachter durch die Spannung zwischen Abstraktion und gegenständlichen Elementen zu überraschen, zu amüsieren und zu verblüffen.

Lewis Blake ist ein Maler aus London, der jetzt in Graz, Österreich, lebt. Er wurde von dem berühmten Künstler Damien Hirst ausgebildet und seine Arbeit ist von Dokumentarfotografie, Grafikdesign und Anthropologie beeinflusst. Seine Gemälde stellen Gebäude und Wahrzeichen auf neue und lebendige Weise dar und ermutigen den Betrachter, sie in einem anderen Licht zu sehen und neu zu schätzen.

Agostina Suazo ist eine Künstlerin aus Chile, die jetzt in Edlitz, Österreich, lebt. Ursprünglich arbeitete sie als Lehrerin, verfolgte aber später eine künstlerische Laufbahn und reiste nach Indien und Österreich. Schließlich ließ sie sich in Österreich nieder, wo sie eine Heimat gefunden hat und als Bühnenbildnerin für den Güssinger Kultursommer sowie als Künstlerin für Gemälde und Wandmalereien arbeitet. Suazos Kunst ist von ihren Reisen und ihrer chilenischen Herkunft beeinflusst, und sie bezieht oft traditionelle Symbole und Motive in ihre Arbeiten ein.

Javier Calleja wurde 1971 in Málaga geboren und schloss im Jahr 2000 seinen Bachelor-Abschluss in Kunst an der Universität Granada ab. Bevor er seine künstlerische Ausbildung im Alter von 31 Jahren abschloss, trainierte er als Gymnastiksportler für die Olympischen Spiele. Callejas Werk scheint eine einfache Ästhetik zu sein, aber er schafft überraschende und humorvolle Kunstwerke durch raffinierte Veränderungen alltäglicher Ereignisse. In seinen Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen bedient er sich auf der Suche nach Einfachheit und Unmittelbarkeit der ästhetischen Konventionen von Comics und Kinderbuchillustrationen.

Neben den Comics beeinflussen auch die Pop Art und der Surrealismus das Werk von Javier Calleja. Der Künstler lädt den Betrachter ein, Teil der spielerischen Szenen zu werden und zu interagieren, indem er an seinen Ironien teilnimmt oder auf die unproportionierten Größen reagiert, die die Welten von Alice heraufbeschwören.

Die Bakerhouse Gallery ist stolz darauf, Patrick Hughes exklusiv in Österreich zu präsentieren!

Patrick Hughes' erste Einzelausstellung fand 1961 in Mayfair, London statt. Seither hatte er Einzelausstellungen in Los Angeles und San Francisco, Chicago, Boston und New York, sowie in Kanada, Frankreich, Deutschland, Italien, Holland, Belgien und der Schweiz - bisher insgesamt 154. Patrick fertigte sein erstes Reliefbild 1964 an. Er hat sein System in den letzten fünfzig Jahren enorm verfeinert, ein System, das vielfach nachgeahmt wird.

Seine Werke bestehen aus Holzpyramiden, die perspektivisch, aber verkehrt herum aufgebaut sind, wobei der am weitesten entfernte Punkt des dargestellten Raumes dem Betrachter am nächsten ist. Die daraus resultierende Illusion ist außergewöhnlich, der Betrachter bezieht sich auf das Gemälde, da es sich scheinbar nahtlos bewegt und den Eindruck vermittelt, sich im Raum oder außerhalb der dargestellten Architektur zu befinden.

Die University of London verlieh Patrick Hughes 2014 den Doktor der Wissenschaften für seinen Beitrag zum Studium der Psychologie der Wahrnehmung. Hughes hat seine gesamte Karriere über visuelle und verbale Logik studiert und ein Buch darüber geschrieben. Sein Buch "Paradoxymoron, Foolish Wisdom in Words and Pictures" bietet einen meisterhaften Einblick in seine originelle Denkweise.

Die Tate Gallery, die British Library, die British Academy, das Wurth Museum, das Museum of Fine Arts, Boston, das Detroit Institute of Art und viele andere Institutionen zeigen Hughes' Kunst. Sein einfallsreiches und phantasievolles Werk, das die Geschichte der Kunst und Architektur reflektiert, ist inspirierend und aufschlussreich über unsere Welt und unsere Beziehung zu ihr.

Jörg Döring, freischaffender Künstler, wurde Mitte der 60er im Ruhrgebiet geboren. Bereits in früher Jugend entstehen, motiviert durch ein gefördertes Kunstinteresse, erste Malereien.

1986 wird das erste professionelle Atelier in Essen eingerichtet, ab 1988 werden Arbeiten im Rahmen regionaler Ausstellungen gezeigt. 1995 folgt der Umzug des Ateliers nach Düsseldorf, nationale und internationale Präsentationen auf Kunstmessen und in Galerien sorgen für einen stetig wachsenden Bekanntheitsgrad.

Frühe Arbeiten Döring’s sind geprägt von historischen Höhepunkten der Pop Art der 60er und 70er Jahre, die thematische Gegenwart im Elternhaus wirkte auf sein Schaffen. Ikonenhafte Persönlichkeiten, revolutionäre Charaktere, Comic, Marvel und Markenstories, Werbeclaims, Headlines, Typografien… Ästhetische Welten, die Döring stets umgaben, sind fortwährend präsent, wurden und werden vom Künstler als Rohmaterial genutzt, um eigene zeitprägende Geschichten auf der Leinwand zu entwickeln und zu konterkarieren. Dieser versatile Ansatz ist bis heute Kern der täglichen Arbeit.

Ab Mitte der 90er Jahre ergänzt Döring, neben der bis dato konsequent praktizierten Ölmalerei, sein Werk um die Technik der Serigrafie, die in den folgenden Jahren einen Schwerpunkt des umfangreichen Schaffens bildet. Seit 2010 widmet er sich intensiv der Arbeit an Collagen, die auch als Ergänzung oder Unterbau für Ölmalereien eingesetzt werden.

Die Vermengung und Verknüpfung der unterschiedlichen, bildnerischen Disziplinen ist Basis für die kreativen Prozesse, die sich stets neu verbinden und Routine bewusst ausschließen. Es ist über den Schaffensgang des Künstlers eine vielschichtige Mixtur aus Material, Technik, Reflexion und Vieldeutigkeit entstanden. Einige ursprüngliche Elemente werden stetig mitgeführt und können als Linie nachvollzogen werden. Viele erweiternde Facetten kamen im Laufe der künstlerischen Aktivität hinzu. In Döring’s Tun und Sein befindet sich alles ständig in Transformation…

In drei Dekaden hat JD eine eigenständige, vitale Bildsprache mit originellen Bezügen und Sichtweisen zur komplexen und komplizierten Alltagswelt entwickelt. Sein bildnerisches Œuvre formuliert sich ästhetisch feinnervig und genussvoll, sowie bei aller Ausbalancierung und Pracht der Werke, in der Tiefe ideell und bedeutungsvoll aufgeladen.

JD lebt und arbeitet in Meerbusch bei Düsseldorf, sein künstlerisches Werk wurde bisher in über 250 Ausstellungen u.a. in München, Köln, Hamburg, Berlin und Frankfurt, London, Zürich, Luxemburg, Stockholm, Basel, Paris, New Delhi, Los Angeles und Miami gezeigt.

Nychos (geboren 1982) ist ein Illustrator, Urban Artist und Graffiti-Künstler aus Österreich. Er ist bekannt für seinen charakteristischen Sektions-, Querschnitts-, Röntgen- und Transluzenz-Stil, in dem er oft Tiere und Charaktere aus der Popkultur porträtiert.

Seine Werke sind an Wänden auf der ganzen Welt zu sehen, während seine Arbeiten auf Leinwand und Zeichnungen in internationalen Galerien gezeigt wurden. 2015 veröffentlichte der Künstler den Dokumentarfilm "The Deepest Depths of the Burrow", in dem er seine Erfahrungen als globetrotter Künstler schildert. Nychos' Pseudonym stammt von einem Dinosaurier namens "Deinonychus". Der Name bedeutet auf Lateinisch "schreckliche Klaue".

Nychos hat einen einzigartigen Stil entwickelt, der sowohl auf der Straße als auch in der Galerie seine Wirkung entfaltet. Aufgewachsen in einer traditionellen Jägerfamilie, gehörten Tod und Sezieren zum täglichen Geschäft für Nychos. Die Nähe zu tierischen Eingeweiden hat ihn psychologisch und visuell geprägt - nun setzt er sich in seiner Kunst mit dem Thema Sezieren auseinander und treibt es auf spielerische Weise auf die Spitze.

In Nychos' Welt hat Spongebob ein Skelett, Menschen leben im Inneren von Kaninchen und es ist immer etwas Böses darunter. Aufgepumpt mit dem visuellen Adrenalin von Comics, Heavy Metal und Graffiti, spiegelt Nychos' Arbeit die immense Energie und den technischen Fokus wider, die notwendig sind, um Arbeiten in dem massiven Maßstab zu produzieren, den er auf der Straße erreicht hat. Indem er Stil und Thema miteinander kollidieren lässt, zerschneidet Nychos Tiere und unschuldige Kindheitsfiguren mit unnachgiebiger grafischer Präzision.

Seine Arbeit konfrontiert den Betrachter mit böser Eindringlichkeit und nutzt den Schock der Cartoon-Gewalt als Vehikel, um subtilere Themen der Sterblichkeit und Zeitlichkeit zu erforschen. Nychos huldigt diesen todeslosen Cartoon-Helden, indem er sie aufschält und ihnen menschliche Substanz verleiht. Seine Kunstwerke reflektieren die Psychologie einer Kunstszene, in der Kreationen manchmal so schnell weggefegt werden, wie sie entstanden sind.

Nychos verwendet auch subtile Bilder wie Plastik im Bauch eines Orcas und webt politische Kommentare nahtlos in seine Werke ein. Mit köstlichen Farblandschaften und wilden, rauchenden Linien, um seine Figuren zu erschaffen - ob mit Pinsel oder Sprühdose - arbeitet Nychos mit unübertroffener Dynamik. Seine Beherrschung seiner Werkzeuge deutet auf eine Arbeitsmoral hin, die nur noch mehr atemberaubende Ergebnisse von diesem Künstler verspricht.

Nychos' Gemälde und Zeichnungen wurden in Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, einschließlich fünf Einzelausstellungen (Turino, Detroit, New York, San Francisco, Singapur) allein in den letzten anderthalb Jahren. Diese Werke dienen als einzigartige Ergänzung zu seinen massiven öffentlichen Arbeiten, die Städten auf der ganzen Welt Charakter verleihen. Nychos lebt und arbeitet derzeit in Los Angeles und Wien.